名画介绍(梵高名画介绍)
价值连城的名画盘点
世界上有很多知名的画家，他们一生留下了很多珍贵的名画，但是历史留名的却不多，而举世闻名的更是少之又少，对于世上著名的画作，可谓是价值价值连城。今天我们一起来看看惊世骇俗的世界名画到底有多贵？
《救世主》列奥纳多·达·芬奇
TOP1：
拍卖成交价格：4.5亿美元，成交时间：2017
《你何时结婚？》保罗·高更
TOP2：
拍卖成交价格：3亿美元，成交时间：2015
《玩纸牌的人》保罗·塞尚
TOP3：
拍卖成交价格：2.5亿美元，成交时间：2012
《6号（紫色，绿色和红色）马克·罗斯科》
Top4：
拍卖成交价格：1.86亿美元，成交时间：不详
《阿尔及尔女人》（O版）巴勃罗·毕加索
Top5：
拍卖成交价格：1.68亿美元，成交时间：2015
《1948年第5号》杰克逊·波洛克
Top6：
拍卖成交价格：1.65亿美元，成交时间：2006
《女人Ⅲ》威廉·德·库宁
Top7：
拍卖成交价格：1.62亿美元，成交时间：2006
《梦》巴勃罗·毕加索
Top8：
拍卖成交价格：1.58亿美元，成交时间：2013
《爱蒂儿·布洛赫-鲍尔肖像一号》古斯塔夫·克里姆特
Top9：
拍卖成交价格：1.58亿美元，成交时间：2006
《拿着烟斗的男孩》巴勃罗·毕加索
Top10:
拍卖成交价格：1.0416亿美元，成交时间：2004
本期10幅价值连城的世界名画介绍到此，下期我们来一起认识这十幅名画！
梵高最有名的26张画，每一张都是经典
“我的冒险，不是靠主动选择，而是被命运推动。”——梵高
梵高最有名的26张画欣赏解析
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【吃土豆的人】
名称：《吃土豆的人》
类型：油画
时间：1885
尺寸：83×114.5厘米
收藏：阿姆斯特丹国立文森特·梵高艺术馆
解析：《吃土豆的人》展现出贫苦的一家人劳作一天，晚餐桌上的主食却只有土豆而已。画中右手边的老妇人，生活的重压剥夺了她全部的生趣，她机械地倒着手中的咖啡，目光不与餐桌上的任何一个人交接；画中左手的中年男子，他小心翼翼地注视着对面的母亲，似乎为自己的胃口充满了负罪感。昏黄的灯光下，围坐在餐桌边的一家人眼中却仍然透露出饥渴的神情，此时无声胜有声，他们似乎在静静地诉说着他们的哀伤。
这幅《吃土豆的人》是梵高接触印象派之前的最重要作品。与前面以织布工为题材的作品相比，这幅画的明显不同在于人物成了主角。梵高在这幅画中加入了自己的主观情感，而不再拘泥于写实主义的“冷静旁观”。
【割掉耳朵后的自画像】
名称：《割掉耳朵后的自画像》
时间：1888年
类型：布上油画
尺寸：纵51×横45厘米
收藏：私人藏
解析：这幅作于1888年2 月的《割掉耳朵后的自画像》，是给后人留下的第一幅展现梵高当时在阿尔勒的精神状态的自画像。画家有一个高高的向上斜的前额、一个强有力的鹰勾鼻子、三角形不对称的脸孔和那突出的颧骨、下陷的双颊，他的形象给人以极其深刻印象。梵高的自画像，往往成为对画家心理探索的佐证，是画家性格特征的一面镜子。画家在描绘自己时，敢于剖析，毫不掩饰地揭示出他性格中最令人感到意外，却又是最为动人的一面。此幅肖像作于他的“割耳朵事件”发生一个多月之后。此刻，画家已找到了他内心的自我平衡。
【收获的景象】
名称：《收获的景象》
类型：布面油画
时间：1888年
解析：梵高于1888年2月离开巴黎来到阿尔勒，并很快爱上了这儿。猛烈的阳光和刺目的麦田使他 “疯狂”。创作进入了高峰。虽受法国印象派和日本浮世绘影响。但他的作品已极具个性，这源自其独特的视角和敏感的性格。他热爱大自然，热爱生命；他不满足于只是理性的 “模仿事物的外部形象”，而要借助绘画 “表达艺术家的主观见解和情感，使作品具有个性和独特的风格”。这幅画采用较传统的写实风格，整个画面笼罩在暖色调中。远景的处理，使得画面产生平远的效果。
梵高以精确的用色和几何图形似的构图，赋予画面以令人难以置信的纵深感，把我们的视线从前景一步步引遥远的天际。这幅作品再次显示了色彩的和谐——前景呈赭石和橘黄色，中景穿插着几簇绿色矮树丛和一片金黄色的田野，远处露出青山蓝天。黄色田野中，蓝色的手推车和红色的铧犁格外醍目。
梵高为创作这幅油画，共画了四张习作，它们的构图大致相似，手推车始终位于画面中央。为了使作品产生纵深感，给人以从高视点远望景色的印象，梵高让天空只占画幅的六分之一。蓝色手推车构成画面的焦点，位于画面正中央。
【蹒跚学步】
名称：《蹒跚学步》
类型：布面油画
解析：这幅作品是梵高临摹自米勒的同名作品。画面是一个农村的耕地，背面是农民的房屋。画的右方一位农妇扶着小女儿帮助她学步。左方女婴的农民父亲蹲在地上张开双手鼓励她向前走。
这虽然是梵高临摹米勒的作品，但是整幅画都显露出梵高个人的风格。画面用色鲜明，多用蓝，黄和绿色。这些高明度及属于自然界的颜色，让人感受到活跃的生命力。他让画中的人和物框上厚实的黑色线条，这明显是受到日本艺术的影响，亦让画面增加实在的感觉。
另外，他亦以弯曲旋转的笔触绘画树、灌木和农作物。这是他成熟画作中常用的手法，也令这画增加生气勃然的气息。整幅农村景象让人感到农民的实在生命，平凡但跃动又充满亲情。
【十五朵向日葵】
名称：《十五朵向日葵》
时间：1888
类型：布上油画
尺寸：纵100×横76厘米
收藏：东京安田·葛西艺术博物馆藏
解析：用简练的笔法表现出植物形貌，充满了律动感及生命力。整幅画仍维持一贯的黄色调，只是较为轻亮。这幅画被认为是梵高在黄房子里面的最后一幅大型《向日葵》。
在这幅作品中,再也看不到自画像里那种短促而笔触,在这里,他的笔触坚实有力,大胆恣肆,把向日葵绚丽的光泽、饱满的轮廓描绘得淋漓尽致。他大胆地使用最强烈的色彩,因为他清楚地知道：\"岁月将使它们变得暗淡,甚至过于暗淡。\"尽管采取了种种保护措施,这些色彩仍然消褪了原有的光泽。
《向日葵》打破陈规，强烈的对比颜色和厚重的色块结合得天衣无缝，更创造出新的对比色系，对往后的艺术发展产生深远的影响。此画以黄色和橙色为主调,用绿色和蓝色的细腻笔触勾勒出花瓣和花茎,签名和一朵花的中心也使用了蓝色。籽粒上的浓重色点具有醒目的效果,纤细的笔触力图表现花盘的饱满和纹理的婀娜感觉。
【鸢尾花】
名称：《鸢尾花》
类型：油画
时间：1889
收藏：美国，加州，保罗盖兹美术馆内藏
解析：画面被一片蓝色占去了大半，浅如海蓝，深似墨团——难以揣度的愁楚与痛苦的凝结。连花叶也绿中偏蓝，缘情随性的。那忧郁的蓝色属于他，伴着生命而来。构图上，鸢尾花的整体造型 “内倾”，与左上角的一簇野菊呼应。野菊的赭红，与土壤色系相谐。赭红与蓝——一种躁动的情绪总在对话忧郁的述说。二者相接处，有一白色的鸢尾花，朵大，茎长，花蕊正对前方，成为画面的亮点。只是在一片一簇中显得突兀——特立独行孤傲的身影，彷徨于躁动和忧郁而前方没有路。这便是1889年5月间的梵.高，他将心魂留在了画上。
【麦田群鸦】
名称：《麦田群鸦》
类型：油画
收藏：梵高博物馆藏
时间：1890
解析：《麦田群鸦》是梵高临死前的几幅作品之一，描绘的是法国瓦兹河上奥维尔镇周围乡下麦田的情景。在这幅画上仍然有着人们熟悉的他那特有的金黄色，但它却充满不安和阴郁感，乌云密布的沉沉蓝天，死死压住金黄色的麦田，沉重得叫人透不过气来，空气似乎也凝固了，一群凌乱低飞的乌鸦、波动起伏的地平线和狂暴跳动的激荡笔触更增加了压迫感、反抗感和不安感。画面极度骚动，绿色的小路在黄色麦田中深入远方，这更增添了不安和激奋情绪。也许这幅画是作者在极力表达内心的孤独与压抑，就如画面上的麦田别乌鸦压住的感觉，金黄色的麦田表现出勃勃的生机，亦如作者内心生的欲望。看到这幅画给人以震撼的感受，它在表达着一种思想，也在宣泄着这种悲剧的情感。
【桃树花开】(淡紫色)
名臣：桃树花开(淡紫色)
类型：油画
时间：1888
解析：此画又名《盛开的桃花》。是1888年梵高为了纪念他去世的表兄莫夫而画的作品。在给提奥的信中，梵高写道:\"我把画架摆在果树园里，在室外光下画了一幅油画——淡紫色的耕地，一道芦苇篱笆，两株玫瑰色的桃树，衬着一片明快的蓝色与白色的天空。这大概是我所画的最好的一幅风景画。
我刚把画带回来，就接到姐姐寄来的追悼安东·毛威的通知。一种什么东西(我不知道是什么)把我抓住了，堵住了我的喉咙，我在我画上写上:纪念毛威，文森特与提奥。如果你同意，我们就以这个名义把它赠给毛威夫人。我不知道他们将会对这幅画说些什么，但这无关紧要。我以为一切纪念毛威的东西，一定要既亲切又愉快，而不可以带着丝毫悲哀的调子。
不要以为死者是死了;只要有人活着，死者就会活，死者就会活。我就是这样认识问题的。没有什么比这个消息更加使我伤心的了。他的逝世对我是一个可怕的打击。\"
作品传达出梵高理想中的日本风景，同时呈现春天的喜悦和乐观的情绪。
【星夜】
民称：《星夜》
时间：1890年6月
类型：油画
尺寸：73.7厘米X92.1厘米
收藏：纽约现代艺术博物馆
解析：作为表现性的后印象主义画家梵高的作品，这幅画有很强的笔触。油画中的主色调蓝色代表不开心、阴沉的感觉。很粗的笔触代表忧愁。画中景象是一个望出窗外的景象。画中的树是柏树，但画得像黑色火舌一般，直上云端，令人有不安之感。天空的纹理像涡状星系，并伴随众多星点，而月亮则是以昏黄的月蚀形式出现。整幅画中，底部的村落是以平直、粗短的线条绘画，表现出一种宁静；但与上部粗犷弯曲的线条却产生强烈的对比，在这种高度夸张变形和强烈视觉对比中体现出了画家躁动不安的情感和迷幻的意象世界。
梵高生前非常欣赏日本浮世绘《冨岳三十六景》中的《神奈川冲浪里》，而《星夜》（《星空》、又名《星光灿烂的夜空》）中天空的涡状星云画风被认为参考并融入了《神奈川冲浪里》的元素。
【罗纳河上的星夜】
名称：罗纳河上的星夜（星空）
类型：油画
收藏：奥塞美术馆
时间：1888
解析：这幅《罗纳河上的星夜》中，星星和天空悬在上面，城中的煤气灯闪着小仙女般的甜蜜，倒映在河中。他将这夜的瞬间转化为自己长久以来的信念：人间和天堂的边界消弭不见。阿尔勒缩减为细长的一条，几乎无法隔开缓缓拍打的水面和星空。一对中年夫妻，手挽手，全神贯注，望向天际，就像他笔下的播种者，似乎在水面行走，并要进入奇迹的核心，在无限的门口拥抱。
梵高和他们一起，和那天空一起，到达了自己惊人的想象：他们感受到的，就是我们应该看到的。我们看到的，是令他们心醉神迷的景象，捕捉下这景象的，不是平淡无奇的人物描画，而是完全无法用言语形容、无法测量的感官陶醉。正像梵高自己说的，他希望自己可以捕捉我们心灵的丰富与完全；最终，他做到了。可梵高还是要对付自己脑海中的喧嚣。
【夜晚露天咖啡座】
名称：《夜晚露天咖啡座》
时间：1888
类型：布上油画
尺寸：纵81×横65.5厘米
收藏：奥特洛克洛勒-穆尔博物馆藏
解析：梵高经常在晚上光顾离他住所不远的咖啡馆。咖啡馆的耀眼灯光和布满天空的星辰，激发了他作画的热情。他在这幅画上，用黄和蓝来表现一种独特感受。画中被灯光照成黄色的咖啡座和蓝色星空的对比，使整幅画显得很美，洋溢着一种平和的诗意。梵高曾说：“对我来说，晚上看来比白天更有活力，更有丰富的色彩，晚上作画，看天上有闪烁的星星，地面有灯光，是一幅很美的与安详的作品。”
夜晚露天咖啡座 素描手稿
梵高自5月到9月18日借住的兰卡散尔咖啡馆，位于形式广场(Place du Form)，由于通宵营业，因而被称之为\"夜间的咖啡馆\"。他曾用两个通宵画了一幅咖啡馆室内的作品，《夜间的咖啡馆》是同期的作品。他时常觉得夜间比白天更充满了生气蓬勃的色彩，所以几度跑到户外云画星星。画中，在煤气灯照耀下的橘黄色的天蓬，与深蓝色的星空形成同形逆向的对比，好像在暗示着希望与悔恨、幻想与豪放的复杂心态。梵高已慢慢地在画面上显露出他那种繁杂而不安、彷徨而紧张的精神状况。
【有妇女在洗衣服的阿尔勒吊桥】
名称：《有妇女在洗衣服的阿尔勒吊桥》
类型：油画
收藏：克勒勒-米勒博物馆藏
时间：1888
解析：1888年2月21日，梵高到达法国南部的阿尔勒，住在卡列尔饭店。这一张是他到达后的3月间所画。 信中写着:\"今天的工作是画一张15号的画——那是在蓝色天空下，一辆小马车正通过的一座吊桥，和天空同色的河水、绿草，橘色的河堤，还有一群穿着各色衣服的浣衣妇女。\"这一张画的色彩清澄而果断，有如金属管乐器奏出的嘹亮声响。天空是一片蓝，水波荡漾的深邃运河，均远离巴黎的喧嚣，漫游在郊外的梵高，彷彿可以听到他自己快活的声息。 这座吊桥在第二次世界大战时被破坏，现在已另外在别处建筑新桥。
梵高画了很多以桥为主题的作品，他仔细观察蓝天和四周生机盎然的景物在河水中的倒影，千方百计地表现河水的清澈透明。画家从河对岸描绘了这幅景致。这幅画可以说是梵高的色彩实验，画家大量使用蓝、橙补色，整张画在三原色调的展现下，达到画面平衡和谐的效果。光影的感觉在画中不太明显，全然以颜色为主导。笔触纵横交错，细致入微，赋予作品浓郁的日本风格。
【阿尔勒的卧室】
名称：阿尔勒的卧室
时间：1888
类型：布上油画
尺寸：纵72×横90厘米
收藏：阿姆斯特丹文森特·梵高博物馆藏
解析：1888年9月，梵高搬入\"黄房子\"，靠提奥供给的生活费，把住宅布置一新。在此之前，他独自一人生活了好几个月。他希望将黄房子建成他梦想的艺术家聚居地。
他选择了式样普通、格调不俗的家具来布置，而他自己房间的摆设却出奇的简朴。提奥劝说高更去与哥哥同住。梵高在等待高更的日子里，运用鲜明的黄色和淡蓝色，描绘了自己的卧室。此时已定居下来的梵高，之所以画出自己的房间，主要是想让弟弟西奥看到他目前的生活情况。朴素的床、椅子和洗脸用具等，都是真实的生活写照。他在给提奥的信中写道：\"我这次画的只是我的卧室。这幅画要由色彩来当家……就是说，要通过色彩，表现出休息或睡眠的氛围。一走进这个房间，想像力就可以得到休息……四四方方的家具表现卧室不应受到干扰的宁静。\"
这张卧室画是一幅很重要的作品，它表现了梵高内心世界中的一些东西。他多次提到过这幅作品，并且在书信中勾画过它的略图;在圣-雷米住院时，他还画了大同小异的另外两幅，一幅是打算给提奥的，另一幅准备给母亲和威尔。其中所突出的宁静与睡眠把这幅卧室图与梵高不稳定与疲惫的精神状态联系了起来。
【唐基老爹】
这是巴黎时期末的作品。关于唐基老爹的肖像画，除此之外尚有两幅，其中的一幅是在同一时期画的，有同样的姿势，相似的背景; 而稍后所画的另一幅唐基老爹，使用深蓝与红褐色，背景的浮世绘配置方法跟这一幅也不同，整个的感觉更为强烈(尤其是色调和彩度)。
这幅画的构图较有统一感，与浮世绘的柔和调子和下端的装饰图案非常调和。唐基老爹是当时蒙马特的小画具商，他的性格亲切而温和，对于未成名的画家时加关照，他的店时常成为印象派画家停留的所在，包括毕沙罗、塞尚和高更也常在他的店里出放。唐基老爹在店内也悬挂了梵高的画。
《唐基老爹》肖像的背景上所看到的临摹画中，右上为广重的《名胜江户百景》，右下为英泉的《花魁图》，中央为北斋的《红富士》，左上是广重的《飞鸟山暮雪》，左中是丰国的《歌舞剧演员图》。
【夜间咖啡馆】
名称：夜间咖啡馆
类型：油画
收藏：克勒勒-米勒博物馆藏
时间：1888
解析：《夜间室内咖啡座》是知名的荷兰画家梵高的作品之一，他于1888年9月在法国普罗旺斯的阿尔勒所绘梵高当年在阿尔勒描绘的这家咖啡馆如今依然矗立在拉马丁广场。梵高抵达阿尔勒后，一直住在这里，后来怀着建造艺术家聚居地的希望，搬入黄房子，与高更共同生活了两个月。
梵高阿尔勒时期的作品，总令人充满阳光的明亮的风景画，其实他受夜景刺激而绘画作亦为数不少。这幅右下角有着梵高签名的画作描绘的是室内的咖啡馆的场景，处在画面中间位置的门帘半开半掩着，据推测门后面有很多独立的小房间。五位顾客沿着墙坐在左右两侧，服务员站在灯光下面面对着观众，在他一侧房间中间部位一有张台球桌。画面中的五位顾客被描述成喝醉酒在昏昏欲睡的流浪汉以及和嫖客，有学者说咖啡馆是穷困潦倒的人和夜间出没的场所，这在画面远处的角落里得以体现。
绿色的天花板，红色的上半部分墙壁泛着亮光，黄色的汽灯和地板，整个画面有着强烈而生动的色彩对比。这幅作品色彩耀眼，梵高有意使用这种色调来表现令人忐忑不安的场景。为了强调房间的纵深感，他选择了高视点，透视线非常精确。黄、绿色点染的晕圈渲染了煤气灯放射的刺眼光线，其强度感到难受。
【在圣马迪拉莫海边的渔船】
名称：《在圣马迪拉莫海边的渔船》
类型：油画
收藏：梵高博物馆藏
时间：1888
解析：1888年6月，梵高来到离阿尔50公里的圣玛利，这是地中海边的渔村，他在此完成了几幅以渔船为画题的作品。他在499信中告诉提奥，地中海的色彩千变万化，有如鲸鲁一般，不知道什么时候会变成绿色、变成紫色，或变成青色。然而，变化万千的海面虽然美丽而奇幻，却不如形状变化多端、红绿色对比强烈的渔船更能深深打动他的心。他把眼睛所捕获的色彩鲜丽的渔船，清晰地画在前景，省略其他部分来暗示远方，让人感到这是采用了日本版画中扩大空间的手法。在细部的省略与夸张的变形中，则突出了空间上的深度。
梵高在这幅画中，用轻亮的色彩，明快的笔触，表现自然界的景象；用浓重的色彩，细致的笔法，描绘人造的船只。\"这幅画画的是海滩上的渔船，偌大的船身躺在灼热的沙滩上，大海远远地消失在蓝色的朦胧中，这是一个晴朗的日子，但是太阳已经下山，人们只能凭借一些投影与沙滩上方热空气的颤动，而感到天气的晴朗。\"
【有垂柳的公园是诗人的花园】
名称：有垂柳的公园是诗人的花园
类型：油画
时间：1888
解析：在阿尔勒的梵高住所的周围，有三个公园，梵高为此画了一些草图和油画作品，梵高分别从不同的视角画出了公园的一角。这幅画绘于1888年，色彩极其艳丽而清新，使人观之眼前一亮、心旷神怡，绘制的应该是春季的景象，是梵高为数不多此类作品中的典范。
【有丝柏的道路】
名称：有丝柏的道路
类型：油画
收藏：奥杜罗库拉穆勒美术馆藏
时间：1890
解析：梵高自创的短碎笔法在这幅画中展露无遗。梵高在阿尔勒时期的色块运用，在此全转成了线条。中置的柏树主控整个画面，道路、稻田、野草相互辉映。马车和人物的位置则有平衡画面的效果。
“这是一次最新的尝试。一颗星星发出了被夸张的光，在群青色的天空中，呈现出玫瑰色与绿色的柔和的光辉，一些云朵匆匆掠过天际，天空下面有一条边上插着一些黄色长棍的道路，黄棍子后面是画面上显得较低的阿尔卑斯山；一家古老的客栈，它的窗户透出黄光；一株很高的、笔直的黑色丝柏；路上有一辆由一头带着挽具的白马拉着的黄色二轮马车和两个走夜路的人。如果你愿意，你可以说这是非常浪漫的，但是我认为，普罗旺斯本来就是很浪漫的。”
【麦田云雀】
名称：《麦田云雀》
类型：油画
时间：1887
解析：画面中部分收获的麦田，在云彩清幽的天空下，一只云雀正朝右上飞去。这幅麦田的从上至下所挥落出来的辽阔与自由，以及那种金黄色所透视出来的美感，真使人神晕颠倒。
这种只属于梵高一人的金黄色麦田，透视了整个天空，而再由天空透视了我们的视觉以及心灵的波动。麦田与天空是相互透视出来的精神的丰满和心灵的自由。不管是来自于印象派的点彩还是透视法，他都被他的精神的狂热带动到很辽阔的境界去。
麦田云雀画于1887年夏天，此画一见即令人联想到梵高他在奥维尔所作的《麦田群鸦》，但与后者比较起来，有完全不同的感觉。这幅画让人感到清闲明朗，好像可以听到远处清晰婉转的歌声。梵高采用修拉与西涅克的色彩分割理论，又从印象派画家那里学习到短促笔触的并置以及从光线中捕捉色彩的瞬间变幻，以色彩的礼堂混合手法来表现。
这幅画的彩度高，向上向下的短促笔触，使画面洋溢着勃勃的生气; 云、麦田、草地均富动态，云雀的声音暗示了在画面上所看不到的垂直轴。麦穗顺着风向俯偃，仔细观看会有一种写实的感觉，同时又让人觉得在遥远的彼方有一种虚无缥缈的憧憬 。
【嘉舍医师的画像】
名称：《嘉舍医师的画像》(第一版本)
类型：油画
收藏：私人收藏
时间：1890
解析：《嘉舍医师的画像》是荷兰后期印象派画家文森特·梵高最著名的作品之一，绘于1890年，当时他已住进精神病院接受保罗·嘉舍医师的治疗。1990年5月15日，此画以8250万美金创下有史以来艺术品拍卖最高价格。此画有两个版本，第一个版本，现私人收藏；第二个版本的目前存放在巴黎的奥塞美术馆中。
嘉舍医师的画像(第二版本) 油画 奥塞美术馆藏 1890
嘉舍医师生于1828年, 死于1909年, 是一位精神科医生, 与许多印象派画家有交情, 他自己也作画, 并收集许多美术品, 尤其是印象派作品。梵高在信中记述他们初次见面的情形, 说他给人一种与众不同的印象。以嘉舍医师为模特儿的肖像画, 有油画两张, 版画一张。关于这一幅, 梵高认为与他在圣-雷米时期所画的自画像同调, 而弯曲螺旋式的线条, 则与阿尔时期的肖像画中单纯化色面可视为一体, 正可以表明嘉舍医师沉郁、心烦的情绪。背景、笔触方向、色彩的装饰与转调等等一切形体的要素, 都凝聚其间, 因而这张画成为控优越的肖像画之一。
【杏花】
《杏花》是文森特·梵·高在圣雷米精神病院接受治疗期间所创作的，时间是1890年，那是他人生的最后一年。《杏花》是帆布油彩画，高73.5厘米，宽92厘米，现存阿姆斯特丹的梵高博物馆中。文森特把《杏花》作为一件礼物，送给刚刚出生的侄子文森特·威勒姆，也就是他的弟弟西奥·梵·高与妻子乔安娜·邦格尔的儿子。画中描绘的是杏树的一个分叉，白色的花瓣尤如珍珠般闪亮，蓝色的天空衬出它的轮廓，留下绿松色的阴影。梵高用杏树的花枝作为生命的象征体，这是因为杏花是最早开放的植物之一，通常在2月早春时节，尤其是阳光充沛的法国南部。
【曳起桥与打伞女士】
名称：《曳起桥与打伞女士》
类型：油画
收藏：德国，华拉夫理查兹博物馆藏
收藏：1888
解析：1888年，梵高生活在法国南部阿尔勒。阿尔勒的朗格卢瓦桥，即曳起桥与打伞女士，梵高以它为主题画了四幅油画，另外还有一幅水彩画，这一时期梵高将了常规绘画技法和创造性进行了融合。充分利用的镜框透视，用他在海牙时创建的精确线条和角度，以表现事物的独特视角。
此幅画画面呈现一片宁静，宽阔的天空和水面上几个稀疏的物体，在他的安排下成为色彩的实验；画上的主题只是让颜色得以伸展的景物罢了，颜色彷彿是这些物体的第二层表皮。从堤防上远眺，天空向四周延展，水的面积相对的渺小，曳起桥在正午的阳光下左右相对，桥上的人成了几个影子，以及用白色调表现的日光等，都是印象派画家的画风的痕迹，梵高在这地方显然深受影响。
【乌云密布的天空下的麦田 】
名称：乌云密布的天空下的麦田
类型：油画
时间：1890
解析：这一幅与\"麦田群鸦\"、\"多比尼花园\"是梵高在奥维尔所作的最后三大作品。梵高在写给母亲的最后一封信中提到这幅画时说:\"我正埋头作一幅以像海那样广大的丘陵作背景, 有黄色与绿色微妙色彩的广漠麦田的画。这一切存在于青色、白色、粉红色、紫色等色调的微妙天空之下。我现在非常的安宁、肃静, 可以说很适合于作这幅画。\"
同\"麦田群鸦\"比较起来, 这幅画含有深深的冥寂, 好像要呑没梵高的一切。在地平线那一端所表现, 不再是德伦特时期作品中可以看到的灵魂的憧憬, 而是要将他的身心召回的凄病态而恐怖的压迫感。似乎是要突出表现奥维尔得天独厚的富饶的自然条件, 这些横长形画面上的构图一般都是侧边敞开并且延伸的余地。除了多比尼家花园那个隐蔽处, 其他作品的的场景基本上都没有围栏之类的东西。田野是自然的存在——它们不属于任何人, 大地看起来广袤无垠。
【奥维尔的教堂 】
名称：奥维尔的教堂
类型：油画
收藏：奥塞美术馆藏
时间：1890
解析：这幅画用深蓝色表现夜空，线条短粗并与梵高其它许多画作中的线条同样呈涡旋状，有些《星夜》的意味。而地面则以黄色、绿色为主，同样以短线条来表现“V”形的道路。作者并没有写实地描绘教堂，而是以一贯的处理手法赋予它更加丰富的色彩和经过感情滤过的形象，在实物中融入自己的情感，并体现在作品中，而非一味地忠于客观描述。丰富恰当的色彩则进一步加强了感情的表达，这正是梵高最终形成的特色。“V”形的道路也类似出现在了麦田群鸦里。
在奥维尔，梵高的画以深青色、藏青色为主。他一生中对于社会的不理解所作的抗争，对于真善美所作的追求，还有生存中的苦恼与欢乐，似乎都孕育在这天空的蔚蓝里。他写给妹妹的信中说：\"我画了村庄教堂的一幅大画，从全体的效果言之，建筑物是带有紫色，跟深蓝色的天空相对。玻璃窗户涂上了深蓝色，屋顶则夹杂着蓝紫色与橘色。在教堂前的草地上开满了鲜花，同时还布满了被阳光照射着的粉红色（玫瑰色）的沙土。这和我在故乡纽南所画的古塔与古墓的习作相似，但不同的是这幅画所用的色彩，看起来更富于表现力、更为华丽。\"
【午睡】
名称：《午睡》
类型：油画
收藏：奥塞美术馆藏
时间：1890
解析：米勒是法国最伟大的田园画家，一位现实主义大师。梵高一向对米勒推崇备至，他对米勒的敬仰终生未改。梵高像米勒一样关注世人疾苦，内心蕴藏着深厚的爱，并借助作品来传达爱。梵高对米勒画作的临摹和再创作，人们能够体会到二者对同一主题的不同理解和不同表现手法，也能看出两种绘画风格的鲜明对照。
从两两对应的作品中，既可以领略梵高是如何将米勒的简练、朴素、凝重演绎成梵高的色彩鲜明、生气勃勃、狂野奔放。
【梵高在阿尔勒的家】（黄房子）
1888年5月梵高在阿尔勒租了一间旅馆居住，因为它的外壁涂成了黄色，故被称为\"黄房子\"。画面上建筑物的右侧即是梵高的住所(正面的窗户涂成绿色和黄色的部分)。梵高很早就向往\"艺术家的乐园\"，因此希望这个家能成为南法的\"未来画室\"，并且希望能够尽快地接他的穷朋友高更来一起共同生活(高更于10月20日到达阿尔勒)。在这一张画上，由广阔前景的土黄色地面，即向两旁延伸的马路，到小建筑物正面的硫磺色与一大片天空的绿色，这些颜色之间相互呼应，构成了色调的转移。
梵高打算把阿尔勒的黄房子变成画家之家，这是他最具乌托邦特色的方案。他详细地描述了他的\"画家之家\"。在给提奥的信中他写道:\"我想把它搞成一个真正的'画家之家'，它并不华贵，正相反，其中没有一样华贵之物。\"\"房子给我带来了安逸感，从现在起，我感到我正在为未来工作。\"在他的作品里，这幢房子位于满是尘土的拉马丁广场对面，是一座在深蓝色天空映衬下闪闪发亮的鲜黄色建筑。梵高打算用\"向日葵\"系列画装饰画室;在客房里要\"以日本人的方式\"张挂一些\"向日葵\"以欢迎高更的到来。
梵高觉得这里的阳光和日本一样明亮，他在这里租了个有四个房间的房子，梦想将其变成艺术家的乐园，就是画作中街角的那幢房子，颜色较其他建筑物响亮，他称之为“光之屋”，并将黄色命名为爱的最高闪光，房子前脚步匆匆的就是他本人。
这幅图画的主题不是光，而是感情。梵高的第一个念头是想把它画成一幅夜景画;\"窗口亮着，空中繁星闪烁\"，可是在定稿中，他蓄意强调阳光通过巨大的空隙流进屋内的黑暗，所以整幢房子发出光亮。
梵高于1888年5月住到这里，一直到1889年的4月。梵高离开人世许多年后，黄房子改为酒吧。这个建筑物毁于二战。
在文森特·梵高短暂而绚丽的生命历程里，他是世界上最孤独的人之一，正如他所说就是：“生活对我来说一次艰难的航行，但是我又怎么会知道潮水会不会上涨，及至淹没嘴唇，甚至会涨得更高呢？但我将奋斗，我将生活得有价值，我将努力战胜，并赢得生活”。梵高是平凡的人，但是他却用他的不平凡创造了最好的作品。他用灵魂赋予，用生命创作，这就是梵高，伟大而传奇的梵高。
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一生遗留500件素描
2000多幅油画及2700封信件
足迹由巴黎大街到地中海岸
从法国到伦敦、威尼斯、挪威，
在各地旅行写生，留下无数的作品。
老七整理了莫奈最有名的几幅画另附鉴赏哦
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【1】
《草地上的午餐》
25岁的莫奈在舍依曾画过一幅长20尺的巨作《草地上的午餐》（4.5×6米）。那时库尔贝也在舍依作画，他很喜欢莫奈，常来看他并给《草地上的午餐》提修改意见。此画完成后，莫奈十分后悔听了库尔贝的意见，对作品很不满，决定不送沙龙展出。在离开舍依时因缴不起房租而将此画作抵押，可惜因房屋潮湿，这幅巨作被损毁了。今天我们所看到的这幅《草地上的午餐》，实际上是莫奈为了完成巨幅油画所创作的一幅“草稿”，但即使“草稿”，它仍然有1.3米高，1.8米宽。在这幅画中从题材 和构图来看肯定是受马奈的《草地上的午餐》一画启发而作，也可能是想和马奈一比高下。
1865年，莫奈初识卡美伊，请她做自己当时正在筹划的一幅巨型油画《草地上的午餐》中的模特。画面中左侧第一个侧身的女性就是以卡美伊为模特来绘制的。
这幅画是在户外完成的，因此和马奈的《草地上的午餐》比较，在描绘外光的生动和景物的真实自然方面，确有过之。画中阳光透过林木洒在人物身上和地面景物上，透明灿烂，令人耳目一新。
莫奈运用印象派的光影手法，描绘了草地上消闲的绅士淑女。画家以幽暗的树荫为背景，衬托着前景白布上的 男人、女人及食品，体现了夏日消闲的假日午餐。后面的一对情侣正要起身离去，一片片绿叶在强烈的阳光照耀下， 显得异常透亮，不仅点明夏天的炎热季节，也增添了画面的颜色。景物、人物都描绘得十分鲜明动人。外光的运用， 给画面带来了色彩斑斓与清新爽朗的效果。
莫奈1865年的《草地上的午餐》，是向马奈1863年同名作致敬。他为了如实描绘光影效果，在地上挖了大坑，在坑内进行创作。本作虽然对人物有精确描绘，但真正出彩却是背景的树叶，它们在逆光下呈现出透明的绿色，由黄绿到深绿色彩层次极其丰富，莫奈解释说这画中每一片树叶对他来说都是模特的脸
▽
【2】
《日出·印象》
日出·印象 法国 莫奈 布上油画 纵48×横63厘米 巴黎马蒙达博物馆藏
此画是莫奈描绘勒·阿弗尔港口的景象：海水在晨曦的笼罩下，呈现出橙黄或淡紫色。天空的微红被各种色块 所渲染，水的波浪由厚薄、长短不一的笔触组成。三只小船在薄涂的色点组成的雾气中显得模糊不清。船上的人与 物依稀能够辨别，还能感到船似在摇曳缓进。远处的工厂烟囱、大船上的吊车……这一切，是画家从一个窗口看出 去画成的。莫奈以轻快而跳跃的笔触，表现出水光相映，烟波渺渺的印象。
莫奈画过许多水题材的画，最具世界声誉的是这幅描绘旭日初升、雾气迷蒙港口的画。画家所描绘的是勒阿弗尔港口的一个多雾的早晨。经过晨雾折射过的红日，形成了一个感觉上的灰绿色的世界，这个世界是真实的，又是幻觉的，它每时每刻随着太阳光而变化着，画家运用神奇的画笔将这瞬间的印象永驻在画布上，使它成为永恒。这幅画于1874年4月15日第一届“独立派”画展中展出，《喧噪》杂志记者勒鲁瓦，以这幅画题写一篇评论文章，“印象派”由此而得名。莫奈热爱大自然，广袤的田野、潺潺的流水、变化无穷的天空都是他绘画对象。
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【3】
《睡莲》
睡莲 法国 莫奈 布上油画 纵89×横92厘米 丹佛美术馆藏
43岁的莫奈在吉维尼定居后，在庭院里修了一个池塘，在池塘里繁殖了睡莲，成为他晚年描绘的主要对象。这幅《睡莲》是莫奈64岁时所作的早期小幅作品。
莫奈晚年最重要的一件作品是连作《睡莲》。这是一部宏伟史诗，是他一生中最辉煌灿烂的“第九交响乐”。1880 年之后，莫奈与印象派的其他画家们疏远了，他在吉维尼造了一座小花园，住在里面作画。他喜欢把水与空气和某种具有意境的情调结合起来，这样产生了《睡莲》组画。 沿着水面，美丽的睡莲一片片向湖面远处扩展开来，画家利用了树的倒影，衬托出花朵的层次，是十分有创造性的 构思。莫奈把整个身心都投在这个池塘和他的睡莲上面了，睡莲成了他晚年描绘的主题。此后27 年里，他几乎再也没有离开过这个主题。
▽
【4】
《韦特伊莫奈花园 》
韦特伊莫奈花园
▽
【5】
《穿日本和服的卡美伊》
《穿日本和服的卡美伊》这幅作品，和莫奈以往甚至以后的诸多作品相比较，风格是独特乃至迥异的。莫奈的印象派风景画，以户外自然光线下的色彩变化为其主要追求效果，因此有人称其为“外光画派”，而这一幅《穿日本和服的卡美伊·莫奈》显然是在室内完成的，整幅画上可靠的光源，主要来自右侧的窗子，缺少以往户外直射的阳光。其二，一般来说，由于非直射光线的缘故，室内画的颜色更多偏向中性一些，而这一幅画的颜色却异常浓重、猛烈，说明这是画家要刻意追求的效果。第三，和莫奈以往不关注作品的细节处理不同，这幅画对人物、对衣服的花纹，甚至包括对背景中团扇上花纹等等细节的处理都很细致，这也和莫奈以往的风格也不相符合。第四，也是更重要的一点，这幅画所处理的异域风格主题，放在莫奈的整个作画传统中，都是比较突兀的。和服、日本团扇、折扇、榻榻米、浮世绘歌姬、能剧鬼脸等等日本元素，构成了这幅画主要的内容。
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【6】
《撑阳伞的女子》
《撑阳伞的女子》是莫奈画于1886 年悼念亡妻卡美伊的作品。人物形象很模糊，连五官和表情都看不见，但随着笔触堆叠的方向，可以感受到草原上吹拂的微风和女子丝巾上跃动的阳光。卡美伊因病死于1879 年，时年37 岁，莫奈在同年画下了《临终的卡美伊》，画中以忧郁的色调、纷乱的笔法，传达出失去爱妻的悲伤。但我总觉得，莫奈爱画胜过爱自己的女人。他曾经这样描述他作此画时的感受：“在我最亲爱的女人的病床前，我发现自己很本能地在这张木然的脸上逡巡，寻找死亡带来的色彩，观察颜色的分布和层次变化我已经主动迎接色彩的冲撞了。”妻子死亡时，他竟还能如此冷静地解构、分析。
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【7】
《冬天的国会大厦 》
冬天的国会大厦
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【8】
《厄普特河岸边的白杨树》
（从沼泽地观望厄普特河岸边的白杨树）
莫奈视线中的情景是纯真而自然的，表达的是内心真实的感受；他笔下的物象的交融，体现了万物皆有灵气，即使一树一石亦不乏生气，一点一线皆可贯注人之生命运动。总之，画为心迹，莫奈追求的是一种本色美、自然美的艺术意境，是一种从欣赏美到认识美、最后超越美的境界。
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【9】
《象鼻山西边的象鼻子》
（埃特尔塔的悬崖）
象鼻山西边的象鼻子（埃特尔塔的悬崖）
这幅画又名《埃特尔塔的悬崖》，艾特塔特石灰断崖矗立在诺曼底海岸上，因为其形象的高大奇特而被十八世纪的许多画家表现于画布之。在众多关于此景的油画作品中，以印象派画家莫奈的《埃特尔塔的悬崖》最为著名。
从构图上看，这是一个横幅作品，庞大的拱形悬崖占据了画幅的左上方三分之二的宽度，左侧岩壁沿着画布的左端被垂直切断。悬崖因此显出奇异的、巨大的视觉冲击力和鲜明的崇高感。
从色彩塑造方法上看，画家用写意的笔法表现天空和海的远景形象，用写实的笔法表现悬崖的背面和海的近景形象。以衬托出悬崖背光面和近景海面的有力的实景。
画家选取了景物的背光面来表现景物，显示了它的色彩表现功力。在大面积冷调子的背光面里，色彩丰富而厚重，笔法整飭而严谨，给人以凝重而沉积的感觉，欣赏时需屏息而敛神。在此背景的反衬下，日光直射的悬崖色彩温暖而热烈。阳光中的景物和近景海面波浪用笔粗犷、跳跃，充满，与严谨的天空和背光悬崖的表达方法形成鲜明对比。这一部分的表现使整个画面形象丰富生动，色彩丰富而富于美感。
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【10】
《花园里的女人们》
花园里的女人们
《绿衣女子》的意外成功，使得年轻的莫奈雄心勃勃，决心绘制另外一幅大型油画《花园里的女子》（2.55×2.05米），在这幅画中，三位女子的形象都是以卡美伊为模特完成的。据说为了绘制这幅油画，莫奈在花园里挖了一条壕沟，将巨幅画板竖在壕沟里，然后自己站在壕沟的边沿上挥笔作画，足见规模浩大。不过可惜的是，莫奈的这幅画作并没有被当时的年度官方沙龙画展所采纳，其原因今天的我们实难理解。
1866年莫奈创作了《花园里的女人们》，这件作品是这个时期中最为重要的一件。创作是在租来的房子的庭院里进行的。由于画幅很大，为了便于挥笔，他在庭院中挖了一个地沟，把画布降了下去。画面上的4个女人，都由一位模特儿充任，因此要不断改变她的装束、发型、姿态，画家需事先分别画出草图，然后再组合到一起。这位模特儿就是1864—1865年与莫奈邂逅的卡美伊（后来的莫奈夫人）。
为了尽可能在相同的日照下作画，有时画家不得不停下来等待时机。为了突出四位美丽的浅色着装女性，使之更显华丽，画面上使用了大量的浓绿色，尤其是眼前坐在地上展开白色裙子、手持遮阳伞的女人，在她的身上既有林间射入的阳光，又有树木的阴影，的确是真实的再现。作品虽然相当的新颖，但未被1867年的沙龙选中。
“穿绿衣的女子（卡美伊）”是在画室里完成的人物画；“圣·热尔梅娜·欧泽华教堂”是在外光下画成的风景画。《花园里的女人们》一画把这两种观察方法结合起来了。这里的画面基本上是根据一幅照片安排的，这说明莫奈并不介意使构图服从了自然景物的偶然性。照片本来也该使莫奈想到空间的深远效果的，然而，莫奈对此也并未介意。使他感兴趣的仅仅是平面和色彩对比而已。正因为这幅画的人物没有立体感和起伏，色彩才能在这里大放其光彩和充分显示其多样性。妇女衣裙上的花饰，草坪上的鲜花，突出在大片浓绿之中的叶子，从树叶的空隙之间透露出来的天空，穿透阴影的光线，这一切造成了一幅色彩妍丽的镶嵌画的效果。但这幅油画缺乏色调效果：光线和阴影落在了人物所占据的同一个平面上，因此，光线不能渗透人体，不能成为形的实体。大片固有色起了过多的作用。所有这些合在一起，与其说是真实表现了所见的事物，不如说是一种公式，但这种公式正是一个空前大胆的纲领。这一纲领的公式化一旦消失，光线便将渗入中间调子，生命也将渗透每一个笔触，而整体的统一也就将要形成，那时，艺术就会变得花团锦簇，印象主义就要完全成熟了。
▽
【11】
《海滨公园打伞的女子》
海滨公园打伞的女子(卡美伊)
这幅画构图偏上，左侧的小男孩与打伞的妇女形成了一个三角构图，起到平衡画面的作用。以绿，蓝，褐为主色调，色彩清新明快，人物的衣服颜色与背景统一，看不到明确的阴影与轮廓线，笔触大胆随意，裙摆与草的走向充满动感。
整个画面给人的感觉是朦胧的梦中场景，作者用大小比例及覆盖遮挡的方法巧妙的区分了妇女，小孩，天空的空间关系，表达的很到位。他已很好地捕捉光影和画中的瞬间印象感觉。画中女人面部和上半身都用上较暗的色彩，表明是处于阳伞的阴影之下，而整个阳伞、面部、衣裙和草地上的阴影区，与女人衣裙上向光一面的光影形成对比（小儿子方面也一样），女人摆动的头巾和长裙上的绉褶也加强了画面的动感。
莫奈比任何画家更着重于捕捉一瞬即逝的景象，并不注意物体本身的轮廓。他说：“光是画中的主角。”他又描述如何努力去画“空气的美……但这是不可能的.”莫奈毕生致力绘画那些不能画的东西，这幅画里天空中有浮云掠过，我们几乎可以感觉到那吹送浮云的微风。
1875年，这一幅画作，实际上是莫奈所有关于卡美伊的画作中最广为人知的一幅。当时的莫奈，大概也处在人生最“惬意”的时候，娇妻幼子，年富力强，事业虽算不上成功，但一直在朝着非常有希望的方向前行，生活虽然不富足，但是压力也没有很大，所以这一时期莫奈的画作无一例外都满是阳光、鲜花，生气和活力。事物的发展，似乎总喜欢和大家开开玩笑，今天，你的生活一帆风顺，你大概会觉得，也许能一直这样下去，可是突然间就有了变化，出现坎坷倒不说，痛苦的是有时候往往会一下子变得很惨。谁又能想到，画面中这位阳光灿烂的年轻女子，仅仅四年后，会突然因为疾病失掉了生命，命运就是喜欢这样折磨人。所以说，作为芸芸众生中最微不足道的一个，我们每个人或者都应该更多一些忧患意识，当你觉得幸福、甚至平淡的时候，多想想人生中可能会出现的坎坷与不幸，也许你对当下的幸福感受就会更深一些。说是这样说，可谁又真能当着春天的迷醉时，想得起及时挪走梯子，从而把春风留在人生的房顶呢？
▽
【12】
《冬季早晨时的干草堆》
冬季早晨时的干草堆
印象派认为真实是转瞬即逝的视觉印象,冲破了以往的绘画成见,直接用色彩来表达视觉。《干草堆》用的就是莫奈所擅长的纯点并置的技术，使观者获得色彩混合和震荡的独特的视觉感受.《干草堆》是莫奈的主题绘画系列之一，它记录了干草堆在一天不同时间光照下的色彩变化.印象派画家强调瞬间的视觉印象,其绘画表现的是一瞥的印象,一反以往那种追求精确逼真的绘画观念。倘若想在印象派绘画中寻找逼真的一面,那么就要远看。但印象派绘画吸引人的正是它的朦胧和色彩变化的微妙。干草堆，它的光影效果做的非常漂亮，实际上它是一个色彩印象，乍看上去，这仿佛是一个五岁小孩儿的信笔涂鸦。没有细部.不代表那真的是涂鸦！ 莫奈不只满足于能够画他所看到的事物和按照他所看见的那种方式来做画；他想要创造一种独特的效果，达到一种在绘画上似乎是不可能达到的目的。
其实《干草堆》这一主题早在1888年时就已被想到。这种景物只有秋季才有。于是他从秋天一直画到翌年初春，不断观察其光的变化。前后一共画了24幅。既有单幅的，也有成组的。角度也都不同，表现在不同时辰和不同光线的变化下的草垛形象。画面看似单调，面对几堆干草堆，画家却产生了深厚的色彩感情。开始他以为用两块画布去画这堆干草堆就可以了，一块阴天用，一块晴天用。可是，由于光线在草垛上不断变化，他不得不一次又一次地回家取新的画布。他之所以如此热中于这个物体上的光的变化，用他自己的话来说，是要记录“某一特定自然景色的真实印象，而不是出去描绘一幅笼统性的风景画。“从莫奈画《干草堆》，看出了印象派画家的整个作画灵感的源泉，即光色的变幻激发了他的艺术热情。他曾对友人写信说：“太阳落下得那么快，我追不上它。”
这幅画的主角不是山，不是田野，甚至不是干草堆，而是那些灿烂明亮的光芒。作为印象派创始人的克洛德-莫奈，特别喜欢画光，甚至是终其一生都在找体现光之美、空气之美的方法。莫奈比任何画家都喜欢捕捉一瞬即逝的景象，然后用神奇的画笔记载下来。就像这幅画《干草堆》。在阳光照射过来的那一刹那，天、山、屋、草垛都是什么样的？默奈通过自己细致地观察，画下的这些物体的变化。他并不注意物体本身的轮廓，因为光是主角。
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【13】
《威尼斯大运河》
这是莫奈发挥印象派技法表现水城威尼斯梦幻迷朦流光倒影的经典之作。
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【14】
《海浪》
莫奈表现法国海岸浪潮波涛的层叠翻滚和变换，色彩和动感强烈，同时和上空漂浮的云彩形成了“浓妆淡抹”和“动静结合”的对比。
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【15】
《圣拉扎尔火车站》
（圣拉扎尔火车站）
绘于1877年的“圣拉扎尔火车站”是一幅表现巴黎火车站的画，这是一个日常生活场面的实际“印象”。莫奈神往于光线穿过玻璃顶棚射向蒸气烟云的效果，神往于从混沌之中显现出来的机车和车厢的形状。莫奈相信光线和空气的神奇效果是最为重要的，他巧妙的平衡了画面的调子和色彩，这幅画出色的表现了力量、空间、对比和运动。
每一个研究莫奈创作活动发展的人都会发现，如果说最初的命运促成了莫奈的发展趋势，那么后来就是他自己创造了他的命运。之所以莫奈成为“印象主义”风格奠基人、被他的朋友公认为“班首”，是因为莫奈不可动摇的坚强意志。从所周知，印象主义意味着感觉和观察方式的变革，它不仅改变了绘画，而且改变了雕塑、音乐、文学，就是到了今天，它也没有失去影响力，仍然改变着我们。
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【16】
《日本桥 》
日本桥
一座漆成绿色的日本式的拱形木桥跨越池塘；水菖蒲、百子莲、杜鹃花科的观赏植物和绣球花环绕并保护着池塘。 水面上漂浮着粉红色的睡莲。柳树和紫藤直泻水面，使水的色调变得更深、更蓝。直到1895年，莫奈才画了第一张池塘和日本桥的画。从1898年起，他又画了些同一题材不同版本的方形的画，其中十来幅曾在杜朗-卢埃尔画廊举办的他的新作展中展出。
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